.

Programa de Arte Público Independiente [P.A.P.I.]

PAPI es un programa de exhibiciones en la Ciudad de México que apunta a facilitar condiciones de sitio específico para exhibiciones en espacios no relacionados a la institución o galerías. Nos interesa el acceso que los artistas tienen a los materiales. Aspiramos a promover la recuperación de la libertad creativa, ocasionalmente restringida por presiones comerciales, para promover intervenciones críticas al espacio público.

PAPI también trabaja de cerca con Lagos, un programa de residencias en la Ciudad de México, en específico en las residencias de artistas trabajando en escultura, instalación y proyectos de sitio específico, y de países del continente americano.

Independent Public Art Program


PAPI is an exhibition program in Mexico City that aims to facilitate site-specific conditions for artists to show in spaces not related to institutions or galeries. Our curatorial interests are related to the uses of open spaces or disused and the access that artists have to materials. We aim to promote the recuperation of creative freedom often constrained by market restrictions, in order to foster a critical intervention of the public space.

PAPI also works closely with Lagos, a residency program in Mexico City, especially in coordinating the residencies of artists mainly working in sculpture, installation and site-specific environments, and from the Americas.

Página en construcción: en este sitio se puede ver una selección de fotos e info hasta hoy.

Page in construction: in this site you can see a selección of images and information of all our project up to date.

PAPI presenta:

DESCULONIZACION A TRAVÉS DEL BAILE FUNK VOL I: Estimulación

Dónde: lagos, estudios y residencias para artistas Cuándo: jueves 2 de agosto

Horario: 7 - 11pm

Cuota: Cooperación consciente

Cupo: 25 personas máximo

Inscripciones hasta 1 de agosto a hola@desculoniza.net antes de las 8pm.

DESCULONIZACIÓN VOL. I es una primera estimulación práctica/teórica de una serie de actividades que ocurrirán en lagos en torno al proyecto de Desculonización, facilitado por Maldita Geni Thalia. El taller de cinco horas incluye una introducción sobre el proyecto y le sigue la parte práctica, el baile.

La desCULOnización es una campaña anti-civilizadora, con bases en Latinoamérica y el Caribe, que nace del goce de un cuerpo que disfruta, que siente placer y que baila sobre las ruinas del orden

y del progreso, de las buenas costumbres, de la familia tradicional. Es un trabajo por reconocer

las geografías que tenemos olvidadas en nuestros más sureños rincones corporales. Surge con la fuerza de la destrucción, la ocupación, la invasión y la re-existencia que se concentra en nuestras caderas/coño/ano/pelvis y que resuenan por todo el cuerpo. Los movimientos de baile que trabajaremos en el taller son lo que en México se conoce como TWERK o PERREO.

EJES DE TRABAJO: violencia de género (sexual, psicológica, económica, física, emocional); territorialidad; geopolítica; racialización; feminismos; lugar del habla; autodefensa; salud.

TALLER MIXTO: Dirigido a cualquier persona que sepa respetar espacios colectivos y con curiosi- dad respecto al cuerpo y las geografías del placer.

Maldita Geni Thalia (BRA): Investigadora y artista. En sus diferentes proyectos propone re-exis- tencias para el uso del cuerpo y del espacio público a través del performance, la piratería, la imagen en movimiento, el video, las intervenciones callejeras y sonoras, entre otros. Maneja algunas herramientas del espectáculo para resignificar consignas normativas como mujer, territorio y pornografía. Ha participado en festivales, muestras y/o residencias en México, Brasil, Guatemala, Colombia, Puerto Rico, China, Ecuador, Perú, Noruega, Finlandia, Amsterdam.

Las próximas actividades estarán sucediendo entre el segundo semestre de 2018 y el primer semestre de 2019, e incluirán talleres, discusiones, performances, entre otros.

Lagos es un espacio de estudios y residencias en la Ciudad de México, dedicado a la producción y desarrollo de proyectos de arte y su exposición. Somos una organización que busca apoyar a artis- tas y que promueve la intersección de profesionales del arte.

F(PH)OTOS

https://www.facebook.com/papicdmx

PRENSA/PRESS

MSHR hace escultura digital, circuitos analógicos y cibernética ... - Vice

Todo-lo-fshlw-solido-plsh-plop-se-desvanece-rrwrrwrrw-plsh-en-el-aire? - Terremoto Magazine

P.A.P.I. presenta: Zehra Arslan? - Indexex.site

PAPI, el Programa de Arte Publico Independiente que se ... - Local.mx

Trapos Sucios - DNA Magazine

IGNACIO GATICA: LA DISTANCIA CORDIAL DE ... - artishock revista

Muestras / Exhibitions

#5

Lagos presenta / presents:

P.A.P.I. (CDMX) + UV (Buenos Aires)

MSHR, Lolo & Lauti, Julián Sorter, Emilio Bianchic, Yiyo Tirado Rivera, Chemi Rosado Seijo

2018.02.10 / Mexico City @ Lagos

https://vimeo.com/256353965



MSHR (Birch Cooper & Brenna Murphy),
Ultitled, 2018. Escultoric installation, circuitry, synthesizers, sensors,  performance.

 

Lagos estudios y residencias para artistas en la Ciudad de México tiene el gusto de invitarte a la primera muestra en colaboración con P.A.P.I. (Programa de Arte Público Independiente CDMX), UV (Buenos Aires) y FE Fair Entrepreneur. El Programa de Arte Público Independiente invita a los primeros residentes de Lagos, MHSR (Brenna Murphy & Birch Cooper), dúo de artistas de Portland, para una instalación que mezcla escultura digital, sistemas de circuitos análogos y performances ceremoniales. MSHR estuvieron en residencia durante tres semanas en Lagos y produjeron la muestra en colaboración con Nativo, taller de madera. Por invitación de PAPI, UV estudios (Buenos Aires) presenta una performance de Julián Sorter (AR), una instalación de video del dúo argentino Lolo&Lauti y un video del uruguayo Emilio Bianchic. Los artistas puertorriqueños Yiyo Tirado Rivera y Chemi Rosado Seijo presentarán obra reciente, un ventilador que además mata mosquitos y un video que desde el punto de vista de la patineta, mapea los barrios de La Habana. Fair Entrepreneur presenta el estudio abierto de Irma Sofía Poeter, con ocasión de su participación en Salón ACME.

Esta exposición posible gracias a la generosidad de Guateque y Lagos. Agradecimientos especiales a Tequila 1800, Fair Entrepreneur y Embajada / The exhibition was possible thanks to the support of Guateque and Lagos. Special thanks to Tequila 1800 and Embajada.

Julián Sorter, Éxito, performance, 2018.
https://vimeo.com/258503153

Lolo y Lauti, iSexy (collector?s edition), 2017. Video version of performance.

Chemi Rosado-Seijo, La Habana, 2015, from the series History on Wheels, video, 43 min.

Exhibition view. Chemi Rosado-Seijo, La Habana, 2015, from the series History on Wheels, video, 43 min.

Yiyo Tirado, Mosquito fan, 2017, wall fan with light and mosquito killing rackets, variable dimensions.

#4

P.A.P.I. presenta: Ignacio Gatica

LADISTANCIACORDIALDETODASLASCOSAS

Centro de la Ciudad de México, 2018.12.17

Para su primera muestra en México, Ignacio Gatica expone un proyecto en video en curso, en una instalación de sitio específico nunca antes expuesto.

En un viaje a Colombia en 2015, Gatica empezó a fijarse en la relación entre el objeto y la palabra. En una primera aproximación, se fijó en cajas de cartón que muestran las isometrías de los objetos que contienen. Estas cajas son el origen de una obra en la que dichos dibujos se volvieron las letras del abecedario.

LADISTANCIACORDIALDETODASLASCOSAS viene de dicho ejercicio. Imágenes en movimiento de evidencias de la distancia entre el lenguaje y los objetos, y la relación que tiene eso con el cuerpo, con habitar, se proyectan sobre pantallas que cuelgan, un pedazo de muro apoyado en el piso y una pantalla suspendida que tiene la forma de un continente casi circular.

 

El espacio es el quinto piso de un estacionamiento en el centro de la Ciudad de México, expandiendo el proyecto en video hasta la instalación, en específico, de las superficies sobre las cuales se proyectaron los videos, creadas con pedazos de muro de tablaroca, encontrada y desarmada en el espacio.

 

Los videos insinúan letras, encontradas en la calle, en objetos al alcance de las manos o a la vista de un dron, a la escala de un distribuidor vial. Las imágenes en movimiento develan letras, pero más que eso, lenguaje, en las cosas. El contraste entre el lenguaje verbal y, por ejemplo, el matemático, exponen la crisis del primero y hace pensar en las posibilidades del segundo de describir, entre otras cosas, el universo. Esa distancia es lo que hace pensar cuál es la definición de lo real que uno habita.

Invitado por PAPI (Programa de Arte Público Independiente), Ignacio desarrolló parte de este proyecto en la Ciudad de México durante dos semanas, en las cuales, un preámbulo de la exposición fue un show de DELI GIRLS, banda de punk/noise de Brooklyn, que primero activaron El Quinto Piso.

 

El Programa de Arte Público Independiente (2017) es un proyecto que invita a artistas a trabajar en espacios no relacionados con instituciones o galerías de arte contemporáneo en la Ciudad de México, de gran tamaño, promoviendo que el trabajo de los artistas tenga una relación específica con el sitio. Es espontáneo pero regular y cambiará de sede dependiendo la ocasión.

#3

P.A.P.I. presenta: Constanza Giuliani

Primavera en el baño

10.2017

Primavera en el baño

Hurgando los poros de mi cara con mi espejo amplificador, revolviendo los pelos de la cabeza, recolectando canas, estirando las bolsitas debajo de los ojos. Levantando un poco la cola con las manos, tocando los pelos de las axilas, huelo los dedos. Hago un selfie olvidable. Miro los pelos sueltos en la bañera. Pienso en reciclar las botellas de shampoo. Decido no depilarme el bozo. Tocando una bolita de grasa entre la tibia y la piel. Observando la vagina. La piel está verde en el antebrazo. Está azul detrás de las rodillas. Labios violetas. Practico una pose de yoga, estiro la espalda, recorro con la yema de los dedos los surcos de las estrías, saco con una pinza un pelito alrededor del pezón. Corrijo otra postura. Abro las nalgas. Acaricio mi estómago. Me pongo especialmente crema en los tatuajes.

Sonrío al espejo. Me paso hilo dental por los dientes. No pienso en nada. Recito: Una rosa es una rosa es una rosa es una rosa?

 

Constanza Giuliani

#2
P.A.P.I. presenta: Zehra Arslan

Centro de la Ciudad de México, 09.2017

Los espacios de Zehra Arslan

La primera vez que vi una obra terminada de Zehra Arslan en una exposición, tuvimos una molesto diálogo en un lugar común: ?Entonces, ¿de qué se trata esto?, pregunté. Solo para que a cambio, para mi cansancio, me fuera dada la respuesta que menos quería: ?¿Qué haces de ello?

A pesar de la irritación inevitable de no recibir lo que quería (confort y explicación), algo de la interpelación de Zehra apuntaba a otro lado, lejos de separar y excluir preámbulos que muchos artistas ?y curadores, coleccionistas, críticos ?ofrecen al mundo en un plato. Zehra estaba dejando que el trabajo me movilizara ?o a cualquier espectador? genuinamente. Todas sus piezas preguntan ?¿qué haces de ello, qué haces?

El uso del espacio en sus piezas es doble de una forma conmovedora. Uno puede hablar de lo que hace con el espacio cuando sus piezas, que en términos generales son siempre de sitio específico, son conceptualizadas frente al vacío de las paredes, cuartos y hasta cuadrados. Toma el espacio y metaboliza posibilidades con, ya sea, pintura, escultura, instalación o nada/todo al mismo tiempo. El otro espacio y aquel que revela el alma radical de su práctica, es el mismo vacío de la pieza. Su trabajo nunca está lleno, pero eso no quiere decir que esté vacío. Más bien, están llenos de vacío.

Mientras que las piezas no son espejos, no estando ahí para que un espectador o participante tome o se refleje, sí mencionan las políticas de enfrentar la nada. ¿Qué haces con la posibilidad de crear una imagen? Se pregunta ella. Para el espectador, es también un abismo, no un paralizante y congelador abismo tan frecuentemente visto en el arte contemporáneo; los trabajos no están ahí para ser decodificados con una llave dorada especial.

Entonces, ¿cuál es esta movilización especial?

El uso del espacio en el trabajo de Zehra Arslan permite que el aire se respire, y al no ofrecer territorio ni un programa enmarcado de re-territorialización ?como hacen algunas piezas de art post-digital de artistas jóvenes, a pesar de lo críticas que intenten ser? estos espacios invocan la posibilidad de que algo nuevo se forme, algo que nunca hemos visto, nunca hemos sentido. Las piezas, a través de sus espacios, sus grietas, sus vacíos, sus quiebres, actúan como facilitadores para un proyecto en el que solamente el espectador puede embarcarse, una jornada singular que es instigada al ofrecer dicha grieta al observador, que puede ser quien sea, preferiblemente uno no muy investido en leer lo que el mercado del arte espera que uno lea en una obra de arte. Cualquiera listo para dejar estos territorios pre-arreglados? estas piezas son tal como el amor: dan de ellas lo que no tienen, tú les das lo que no tienes.

 

En este intercambio de ?no tener? nosotros juntos tocamos en la imposibilidad.

Es lo que falta lo que lo mueve, lo que permite a este movimiento que suceda rítmicamente. Zehra sigue el ritmo del silencio, tal como a música y la poesía están hechos de sus silencios, sus piezas están hechas de sus espacios, rítmicamente confiriendo a la vivacidad que nos da.

La elegancia de Zehra Arslan ?persona y obras? está en la manera en que lidia con la noción de lo que es radical ?no es solamente sobre ser crítico del mundo del arte, de la sociedad, del capitalismo, del mal y de la humanidad. No es sobre esquematizar el mercado del arte tampoco. Su radicalismo recae en el momento en el que el mercado o el mal se vuelven irrelevantes frente al poder de la obra. Estamos entonces teniendo una conversación completamente diferente.

Al mantener la imposibilidad en nuestros bolsillos, podemos abrirnos a posibilidades de un afecto que podríamos compartir de manera distinta, creando este espacio que antes no habíamos imaginado.

Ana Carolina Minozzo.

[ENG]

The Spaces of Zehra Arslan

                                

                                        

The first time I saw a finished piece by Zehra Arslan at an exhibition, we had that annoying commonplace dialogue: ?So what is this about??, I asked. Only to be given in return, to my fatigue, the answer I wanted the least. ?What do you make of it??. Despite the inevitable irritation of not being given what I wanted (comfort and explanation), something of Zehra?s interpellation pointed elsewhere, away from the separating and excluding preambles many artists ?and curators, collectors, critics? offer to the world on a plate. Zehra was letting the work mobilise me ?any viewer? genuinely. All her pieces ask ?what do you make of it, what do you?

The use of space in her pieces is poignantly twofold. One can speak of what she does to space when her pieces, that in general terms are always somewhat site specific, are conceptualised against the emptiness of walls, rooms and even squares. She takes that space in and metabolises possibilities with either paintings, sculptures, installations or none/all at once. The other space, and that which reveals the radical soul of her practice, is the very emptiness of the piece. Her canvas is never full, it never shouts. It always whispers. By whispering, it resists. They are never full but that does not mean they are empty. Rather, they are filled with void.

Whilst the pieces are not mirrors, not for any viewer or participant to be taken in nor rejected, they do touch on the politics of facing nothingness. What do you do to the possibility of creating an image? She asks herself. To the viewer, it is also not an abyss, not a paralysing congealing abyss so frequently seen in contemporary art; the works are not there to be decoded with any special golden key.

So, what is this special mobilisation?

The use of space in Zehra Arslan?s works allows for air to be breathed in, and by not offering a territory neither a framed program of reterritorialization ?as some pieces of post-digital art by young artists may do, however critical they attempt to be? these spaces invoke the possibility of something new to be formed, something we have never seen, have never felt. The pieces, through their ?spaces?, their gaps, their voids, their breaks, act as facilitators to a project that only the viewer can embark on, a singular journey that is instigated by the offering of this crack to the viewer that could be anyone, preferably one not too invested in reading what the art market expects one to read in a piece of art. Anyone up for leaving these pre-arranged territories... These pieces are just like love: they give you what they do not have, you give them what you do not have.

                        

In this exchange of ?not haves? we together touch on impossibility. It is our excess, also our lack. The Man That Walked Out of the Picture, taking us with him, for the picture could not frame him. No picture can frame the un-frameable.

It is what is missing that moves it, that allows for this movement to rhythmically take place. Zehra follows the rhythm of silence ?just like music and poetry are made of their silences, her pieces are made of their spaces, rhythmically conferring to it the vivacity it gives us.

                                        

The artist is not over inscribed in the work ?again, something particularly interesting in the present time? and what this missing identification permits is precisely to liberate the artwork to the world, to the others... together piece, viewer, world can become something else. They can ?play something else?, like the record in ?Die Krebse schlugen mit den Schwa?nzen und Du??.

                                        

Anyone with encyclopedic knowledge of art (names, facts, movements) could perhaps point to a number of other works or other artists, especially concrete, minimalist productions, that may touch on this ?full/empty? game so strongly marked in Zehra Arslan?s practice. I dare you to consider whether they work as mirrors... do not forget mirrors always have a frame, even the broken ones. The particularity of her work in her very own time ?the now? is how it does not accompany any vertical linearity, how there is no sense of pro-di-gress. Her oeuvre is horizontal, moving sideways, telling another story, rejecting any ghosts of modernity and facing ?face-to-face? the form of capitalism that colonises desire and so aggressively stuffs our superficial voids with rubbish. The elegance of Zehra Arslan ?person and pieces? is conveyed in the way she deals with the notion of what is radical ?it is not just about being critical of the art world, of society, of capitalism, of evil and humankind. It is not about eschewing the art market either. Her radicalism lays in the moment where the market or evil become irrelevant to the power of the work. We are having a totally different conversation.

                                        

By keeping impossibility in our pockets, we can open up possibilities for an affect we could share differently, creating this space we have not even imagined before.

                

Hypothetical play, 2017, collection of objects, metal, wood, plastic. Variable dimensions.

Making ends meet I, 2017, wood, bronce.

 

Making ends meet II, 2017, wood, bronce.

Tower of Hamlet, 2017, wood, trash can, plant, plastic water tank, plastic, variable dimension.

Untitled, 2017, metallic leftover material from building, wood, plastic, variable dimensions.

#1

todo lo (fshlw) sólido (plsh-plop) se desvanece (rrwrrwrrw, plsh) en el aire

Leonel Salguero & Michael Ray-Von

06.2017
Proto P.A.P.I
All pictures taken by Ramiro Chávez

Centro de la Ciudad de México, junio 2017 (El quinto piso)

El Tiempo y el Espacio son pareja perfecta. Se amontonan y se comen. EN VIVO desde el campo de lava: con cada erupción, un predecesor es desplazado. Un río de fuego recién nacido hace un salto mortal por la montaña (devenir y deviniendo). Un vertido poroso emergido de un poro, recoge lo que sea, cuando sea, desinteresado. El flujo es permeable, y nacido de una permeación; fractalizado e invirtiendo doblemente el interior/exterior, hasta plegarse dentro de sí mismo como un perro envuelto en su correa.

Michael Ray-Von

Exhibition views

Michael Ray-Von, Figure Skating, 2017.

Michael Ray-Von, Figure skating, mixed media, 150 x 150 x 10cm.

Leonel Salguero, Jarra, 2016, sugar glass, water.

Michael Ray-Von, Guatemala City sinkhole, 2017, brass, 40.5 x 61 cm.

Leonel Salguero, Fuente (Buda), 2017, unfired clay, 23 x 63 cm.

Michael Ray-Von, Unitalla, 2017, paper, paint, clock, 15 x 15cm.

Leonel Salguero, Agujeta en tornado II, 2017, grafito sobre papel, 30 x 26 cm.



Leonel Salguero,
Agujeta en tornado II, 2017, grafito sobre papel, 30 x 26 cm.

Todo lo (fshlw) solido (plsh, plop) se desvanece (rrwrrwrrw,plsh) en el aire, exhibition view.

Todo lo (fshlw) solido (plsh, plop) se desvanece (rrwrrwrrw,plsh) en el aire, exhibition view.

Todo lo (fshlw) solido (plsh, plop) se desvanece (rrwrrwrrw,plsh) en el aire, exhibition view.

Todo lo (fshlw) solido (plsh, plop) se desvanece (rrwrrwrrw,plsh) en el aire, exhibition view.

Todo lo (fshlw) solido (plsh, plop) se desvanece (rrwrrwrrw,plsh) en el aire, exhibition view.

Todo lo (fshlw) solido (plsh, plop) se desvanece (rrwrrwrrw,plsh) en el aire, exhibition view.

Todo lo (fshlw) solido (plsh, plop) se desvanece (rrwrrwrrw,plsh) en el aire, exhibition view.

Todo lo (fshlw) solido (plsh, plop) se desvanece (rrwrrwrrw,plsh) en el aire, exhibition view.